Entrada #13

Sobre algunos filmes:

Me gusta como se ve mi blog ahora.

Esta entrada será lo equivalente a la entrada anterior pero con filmes. Intentaré ser conciso.

Salò o le 120 giornate di Sodoma (Pasolini)

Lo más probable es que no me hubiera impactado tanto este filme si no fuera por un pequeño texto que leí en el colegio acerca de él. El texto notó un aspecto obvio del filme, sus incesantes escenas morbosas, pero a la vez resaltó su simbolismo dándole un punto de vista que alude al fascismo. Y fue con esa mentalidad que vi el filme. De otro modo, el filme me hubiera repugnado y hasta quizás hubiera ignorado su significativo poder político.

Para resaltar la significación política del filme vale notar la situación de Italia en los Años de Plomo en que diversos ataques terroristas en nombre de un 'neo-fascismo' (no conozco mucho el tema pero me parece preciso mencionarlo al tratar el contexto político de Salò) y en que Italia se entregaba al consumismo del cual Pasolini era un severo crítico. Además, eran tiempos en que Pasolini conocía los grupos culturales americanos como los beatniks, los hippies y a grupos controversiales como el Black Panther Party. En este viaje a América notaba el espíritu de sublevación del americano que contrastaba fuertemente con la juventud estudiantil italiana que según él eran niños de papá sin ideales. Todo esto encaja perfectamente con Salò cuyo filo se agudizó aún más con el asesinato del director antes de su estreno.

Para empezar, no es la primera vez en que Pasolini adapta una obra literaria a la pantalla para relacionar su contenido a los tiempos modernos. Ya lo había hecho en el '68 con su propia novela Teorema, obra que retrataba la venida de un mesías que juega a su gusto con los hombres (este filme es más que excelente y tiene una estética visual brillante y vívida), y en el '67 con Edipo Re que arrastró el determinismo de la tragedia griega a la Italia pre-segunda guerra mundial. La tendencia de Pasolini de usar el anacronismo para relacionarlo con la actualidad es ,además de ser muy sutil e ingeniosa, muy efectiva (nótese también que Salò es una adaptación del libro Los 120 días de Sodoma de Marquis de Sade del siglo dieciocho). 

Suponiendo que ya viste el filme:

Por lo general, el filme se correlaciona mucho con el fascismo italiano y alemán, pero creo yo que alude también al sentido de sublevación y martirio que se debe dar ante la crueldad o ante los gobiernos opresores. En el filme existen muchas referencias obvias al racismo fascista como en la escena en que matan a uno de los esclavos sexuales por tener relaciones con una criada negra y en la escena en que se rechaza vilmente a una mujer por portar una desagradable dentadura, representando el ideal fascista de una supremacía racial. Esto se da en manos de personas de poder que parecen tener el control del país en que residen. Los líderes son ninfomanos y fetichistas en todas sus variaciones y grados de crueldad, someten a sus esclavos a actos inimaginables e intentan convertirlos en máquinas sexuales y si los esclavos de rebelaban eran castigados sin piedad. Estos últimos eran ultrajados y despojados de todo sentido moral, tanto que preferían la muerte antes que entregarse a la degradante naturaleza del poder. Y si por lo contrario cedían al poder terminaban deshumanizándose y cediendo a las horribles experiencias que les esperaba para luego convertirse en uno de ellos a la larga. Por eso, aquellos que fueron masacrados al final del filme fueron más solemnes que aquellos indiferentes (como los que bailan el valse al final). El filme demuestra la manifestación del poder a través de varios actos que incluyen la escatología no para apelar al morbo, como sostienen algunos críticos de la película, sino para denunciar el gusto por la crueldad, tomemos como ejemplo a la pareja que baila al final del filme, no solo son completamente indiferentes hacia la masacre sino que hasta parecen celebrarlo. Al mostrar esto, Pasolini intenta crear un lazo con el público incitándolo a no caer en la misma indiferencia a la crueldad de la pareja (algo así como pasa con los surfistas y los irracionales en Apocalypse Now). Es -muy- probable que la mayoría del público de esos tiempos no lo haya captado gracias al tremendo escándalo que causó el filme, pero ahora podemos ver que Pasolini efectivamente tenía al menos un poco de razón, tan solo contemplemos a la indiferencia ante la crueldad de la generación actual. Los medios de la mayoría nos incitan hacia el bienestar sin embargo, nuestra arrebatada historia y la indiferencia hacia el otro nos hacen caer en el macabro valse de aquella pareja. Salò es una flecha en donde más le duele a esa moral impuesta. En los tiempos actuales repugnaría más el director del filme que el ejecutor de todas estas barbaridades, por esto pienso que es en esa delgada línea, resultado de una mente controlada por el consumismo (no olvidemos que Pier Paolo Pasolini era crítico de este sistema) en que se radicaba el mensaje del filme. 

En el fondo estoy algo confundido, no sé si Salò tiene un mensaje optimista o pesimista, pero lo que sí puedo concluir es que no es un filme para disfrutar, ni degustar y mucho menos para excitar. Es innegable que su importancia y gran legado marcó una nueva tendencia en el cine, el hecho que directores controversiales como Catherine Breillat y Michael Haneke citen a Los 120 días como uno de sus filmes preferidos no debe extrañarnos. En conclusión, como también afirmó ese pequeño texto que leí en el colegio, es un filme esencial que toda persona que gusta del cine debe atreverse a contemplar. 

Ballet Mécanique (Fernand Léger)

Conociendo el futurismo de Léger y el hecho de que escandalizó al público de sus tiempos; quien no lo haya visto puede inferir que el filme se centrará en visiones tecnológicas, absurdas e incompresibles que le ofrecerán al espectador una perspectiva audiovisual rebelde. Y es exactamente eso, una ilustración sobre el deslumbrante caos de la tecnología mecánica. Está demás decirlo pero lo diré de todas maneras antes que alguien me tilde de pretencioso; Ballet Mécanique no tiene ninguna trama, está hecho para impresionar al espectador, para desorientarlo y enloquecerlo. Quizás fue por esa razón por la que causó tanto alboroto en los 20s y que al parecer sigue causando. En fin, hasta quienes no gustaron del filme deben admitir que la pieza musical de George Antheil que lo acompaña es sumamente excelente. Quizás más que por el la colisión de imágenes metálicas en sí me encantó ese perfecto balance entre música e imágen. Confieso además que Ballet Mécanique fue una de las experiencias audiovisuales más impresionantes que he tenido.

Esta entrada lleva como una semana en borrador. Espero completarla con el tiempo, mientras tanto publicaré lo que escribí hasta ahora como quien se apura a sí mismo con la horripilante visión de lo incompleto. Como siempre, les pido que perdonen mi escritura horrible y mediocre. Algún día escribiré bien. 

Edit [10 de agosto; 2:34 PM]

Me olvidé por completo de esta entrada que había quedado pendiente. Y me acordé de ella después de haber leído una entrada en una ´red social' que hacía referencia a mi blog 'unipersonal' de manera muy (in)directa llamándome cobarde por insultarlo, te hago recordar, único lector, que este blog no debe ser leído por nadie. Es solo uno de mis numerosos diarios y sitios webs en los que me paseo sin un compromiso distinguido. Además, yo no realicé esa pregunta en tu ask(o), y si no me crees, no tengo porque darte razones, queda en mí si realicé la pregunta o no. Ah sí, y le haces mucho honor a su nombre ( ;)))))) (iba ajuntar un link muy chistoso a este emoticón pero decidí quitarlo ya que al parecer hay más de un lector de mi blog y no quiero ofender a nadie más de lo que ya he ofendido). De verdad, no quiero pelear, me caes mal, y no especificaré más por el poco respeto que queda. Solo te pido, por las razones ya mencionadas, que no leas mi blogcito 'unipersonal'. También toma en cuenta que ninguno de nosotros tiene la razón. 

 Die Büsche der Pandora (G. W. Pabst)

¡Este filme fue muy formidable! De veras, hay un gusto por el cine, por el medio y hasta por sus limitaciones que no encuentras en ningún pasaje metafísico (palabra algo pretenciosa, con esa palabra quiero referirme a que la moralidad de los personajes no intenta ir más allá de la trama, es decir, los elementos diegéticos (los extra-diegéticos también) son tan solo para resaltar la calidad artística del filme y no para dar pie a un análisis psicológico, filosófico, etc)  de Harmony Korine, Richard Linklater o Aki Kaurismäki. La caja de Pandora se desarrolla con una destreza increíble, la trama toma toda clase de giros, se captura la esencia misma de lo que es ser una femme fatale perseguida por un mal destino producto de la vida dedicada a los placeres y a lo fácil. El espectador se apega rápidamente a los personajes, pues cada uno de ellos son retratados con mucha pompa, fiel al espíritu dramático del cual se crean los amoríos más exóticos y entregados. ¡Y ni hablar de Louise Brooks! Ya conocía su excéntrica imagen, sin saberlo, con la portada del disco de Zorn & Co News for Lulu, es un placer deleitarse de sus finos gestos y de sus tantísimas artimañanas corporales. 

El filme es aún más recomendable tanto si gustas del cine de Murnau y Lang como del de Chaplin.

Sonatine (Takeshi Kitano)

¿Qué diablos estaba pensando cuando escribí esto?

Entrada #12

Sobre algunas cosas:

Debo dejar de empezar mis entrada con "Sobre [tema]:", bueno será para la próxima. Les cuentos que borré toda mi música, miré un par de filmes no muy interesantes... Se vienen los bimestrales, sigo pensando en dejar de ser tan inmaduro en el salón sin tomar acción alguna, y que los últimos álbumes que he escuchado son muy interesantes. Mi historia musical se ha reiniciado y espero que a partir de esto mi relación con la música mejore aun mas. 

Maureen Tucker - Playin' Possum (1981)

No se puede hablar de Maureen Tucker sin mencionar a The Velvet Underground y no se puede hablar de las revoluciones musicales de este último sin resaltar la batería creativa y artística de Maureen Tucker. Maureen fue ,en mi opinión, la primera en separarse de la percusión tradicional influenciada por el blues y el jazz, su percusión tuvo una voz y no fue un simple metrónomo, además tuvo un espíritu experimental. Cabe destacar que en Heroin de TVU & N el rol de Tucker es tan importante como el de Lou, pues ambos son factores imprescindibles de ese clímax inolvidable que siempre sumerge al oyente en una sensación de trance. En White Light/White Heat mostró ser la batería más libertina de su tiempo. Y en su último disco completo con The Velvet Underground, el s/t del año 1969, se lució con el último track After Hours, aunque esta canción haya sido escrita por Lou no hubiese tenido el mismo encanto de inocencia y amor si no la hubiera cantado Maureen Tucker.

A pesar de todo, Maureen Tucker después de The Velvet Underground siempre fue vista como una especie de Luigi al considerar su modesta obra como solista, en especial cuando se compara a las obras magistrales de John Cale, Lou Reed, y Nico (no sé sobre la carrera solista de Sterling Morrisson, pero no es muy mencionada ni por los melómanos más conocedores). Pero lo que la mayoría no sabe es que Maureen Tucker se retiró temporalmente de la música no por falta de creatividad o reputación sino por cuidar de su hijo y de los cuatro que le iban a seguir. Es por esto que solo participó brevemente en la grabación de Loaded (vaya casualidad que este haya sido también el disco más convencional de los Velvets) y no se supo más de ella hasta el año 1981 con Playin' Possum.

Playin' Possum es una réplica de esos tiempos en que aún existía un lazo entre Los Velvets y Andy Warhol, suena como si hubiese sido un proyecto paralelo de Maureen Tucker mientras se grababa TVU & N y no como un disco que pasó por desapercibido en 1981. El álbum consiste mayormente en covers (solo tiene una canción original) y aún así Maureen logra sonar honesta, humilde y tierna. El repertorio de covers es muy agradable y hasta ecléctico, va de Vivaldi a Dylan de clásicos del rock and roll hasta un instrumental a lo John Cale en la época de The Dream Syndicate. Todas estas rendiciones, como se puede esperar, son ejecutadas lo más Maureen Tucker posible, la guitarra está ligeramente desafinada de tal manera que le da cierto aire de lata, la batería es creativa y divertida, y la voz de Tucker es tan anti-académica y alegre como lo fue en 1969. Vale resaltar la rusticidad de Louie Louie, Slippin' and Slidin' y Bo Diddley como también es muy notable el cover de Heroin que no se deshizo de esa cúspide sonora que tanto le gusta a los seguidores de TVU. Los tracks más inesperados del álbum y a la vez los más sofisticados fueron los instrumentales Concerto in D Major (Vivaldi) y  Ellas (compuesta por Tucker), ambos resaltan por su imaginación que parecen rendir homenaje a los guitarristas del primitivismo americano. En conclusión, el álbum es una grata sorpresa escondida cargada de cierto ambiente nostálgico para cualquier fan de The Velvet Underground y de los tantísimos discos lo-fi que fueron grabados en los 80s.

The Fiery Furnaces - Daytrotter Session (2012}

Es cierto, son pocas las veces en que The Fiery Furnaces acierta, pero cuando acierta se lucen como ningún otro grupo. De sus ocho álbumes de estudio son tres los que muestran una verdadera ambición que los ubica a años luz del resto de sus compañeros del género, tres fueron de esos álbumes que no dan tanto que hablar, y uno fue un rotundo fracaso. Aún así les tengo un gran aprecio, pues Bitter Tea es fácilmente mi álbum favorito.

Daytrotter Session no estaba predestinada a ser un EP muy memorable, pues los Daytrotter Sessions en general no tienen mucho que ofrecer, siempre han tenido este aire de canciones que sobraron. Con esto, no quiero decir que el álbum sea malo sino efímero, porque las canciones interpretadas en esta álbum son muy vívidas. Eleanor Friedberger es una cantautora muy original y en este EP luce su melodiosa voz aún más agradable cuando es acompañada por el piano lírico y juguetón que se expande por toda la grabación. La grabación fue tan placentera como corta y el Blueberry Boat de esta grabación es muy diferente al de el álbum del mismo nombre, detalle que le interesará a los chicos super-indie. 

The Children of Sunshine (a.k.a. Dandelions) - Dandelions (1971)

Si tan solo hubieran más niño/as de 10 años tocando guitarra y cantando entusiasmados sobre cosas lindas, el mundo sería un lugar mejor. Este álbum es exactamente eso, es uno de esos álbumes en peligro de extinción que nacen de una verdadera entrega a la música y su poderoso mensaje. Con letras como "Es un largo camino hacia el cielo" y "Si estás solo mira a tu alrededor, siempre hay alguien que amar", The Children of Sunshine llegan profundo y pueden alegrarte inmensamente y en el peor de los casos, entristecerte. Obviamente no es un disco de esos que son apreciados por su inmensa o innovadora musicalidad o poder conceptual, es honesto e inocente pero aun así me parece que tiene cierto poder. Son lindas, mírenlas. 

Eric Dolphy - Iron Man (1963)

Aunque es un poco pálido comparado con el clásico Out to Lunch que le siguió, Iron Man es uno de las grabaciones más extravagantes de Eric Dolphy, esto dice muchísimo ya que todas las sesiones de Dolphy de por sí son bastante excéntricas y desafiantes. En Iron Man se pueden detectar fácilmente las raíces tan innovadoras de Out to Lunch, pues comparte con este último esa terrible ambición de querer crear una nueva lógica estructural y harmónica que tanto alude a los compositores contemporáneos, así como la de incorporar instrumentos pocos usuales al jam jazzista.

El primer track que lleva el nombre del álbum intenta desequilibrar al oyente con sus contorsiones aéreas para luego hipnotizarlo con los solos de Bobby Hutcherson, todo para recibir a Woody Shaw, el auto-proclamado hombre de acero que se impone imperiosamente para darle un poco de lógica a la infame pieza. El segundo, Mandrake, suena como un montón de gusanos de metal que advierten a los allegados sobre las malas intenciones de Dolphy y sobre su temporalmente inactivo compinche, Hutcherson. De la nada se presenta el veterano héroe Clifford Jordan a abatir a los villanos, fracasa heroicamente y fallece ese mismo domingo. Dolphy, apenado, se lamenta con Shaw, ambos parecen ponerse de acuerdo y tocan una balada. Pero, lo que Shaw no sabe, aparte de que solo es un buen músico cuando toca con músicos mejores que él (véase The Iron Man, su colaboración con Braxton), es que está apunto de ser atravesado por un arpón en llamas lanzado de manera casi inhumana por Dolphy. En celebración, se realiza un orgía inmensa en la que Dolphy toca como quien imita un chillido salvaje, se desploma en el caos organizado, se liga con Alice Coltrane, ya que John aún no aprendía a entregarse a la rebeldía del free jazz hasta unos meses después, y se encuentra con Hutcherson para echarle más gasolina al fuego. Al final del día, a modo de reflexión, rinden homenaje a Charlie Parker quien falleció al intentar escuchar todos los discos de todos sus imitadores.

En verdad, no sé como escribir sobre discos de jazz, la cosa es que este álbum es muy bueno.

The Apartments - A Life Full of Farewells

Desconozco muchísimo acerca de esta banda, según tengo entendido se formaron en Australia en el año 1978, pero este álbum, su tercero, sale en 1995, de verdad que no tengo ni la menor idea. Pero bueno, The Apartments, nombrados así por la famosa película de Billy Wilder (película que no me gustó mucho,pero que aparentemente tiene un gran apego con las demás personas de mi edad), son de la misma vena de bandas como The Magnetic Fields, Belle & Sebastian y Tindersticks (estos últimos son grupos fenomenales) que intentaron hacer de la canción pop algo más sofisticado ya sea por medio de una instrumentación que inspira orden y delicadeza o por medio de una letra elegante y casi literaria.

A Life Full of Farewells es, como sugiere el título, esencialmente un álbum melancólico. Las canciones carecen de esos ritmos que abundan tanto en las convencionalismos del Indie pop, Twee pop y del Jangle Pop. En su reemplazo, The Apartments emplea una excelente instrumentación, no falta esa perfecta complementación entre trompetas espontáneas y alegres y secciones de cuerda que la dan un toque elegante al álbum. Las estructuras de las canciones son muy variadas y no caen en el trío común de verso-coro-verse, y aún así el álbum  no pierde su accesibilidad y contiene más de una canción pegajosa.

En efecto, este es un álbum adictivo, un no-sé-qué me jala a escuchar al menos un par de canciones diarias. De esto, debo concluir entonces que The Apartments no es un grupo más del género y que no escriben por escribir como lo hacen tantos grupos pop por allí. Tal es su 'maestría' que los ubico juntos al grupo Advantage Lucy (a.k.a Lucy Van Pelt) que me han cautivado y convencido de la misma manera. Ambos son grupos que no pretenden lucirse con artimañas sino con el arte del cantautor que consiste en hacer de la canción convencional un gusto y hasta, en el caso de canciones como She Sng to Forget You, un viaje emocional.  

Entrada #11

Sobre algunas frustraciones: 

Les pido (si es que hay alguien ahí, porque no me parecería extraño que nadie me lea) que no lean esto si les aburre leer los libros de autoayuda (a mí también me aburren), pues mis entradas recientes parecen sacadas de algún diario de algún adolescente en busca de los ojos de su princesa de algún libro de Coelhito, Cauhtecmito o de ese señorito que escribió La Vaca.

Mientras pasan las entradas, mi blog se parece cada vez más a un diario personal que a un blog 'cultural', por ponerle un adjetivo, aunque en verdad los blogs y sus creadores tienen todo el derecho de hacer con su página lo que deseen, además no debo olvidar que mi propuesta inicial fue la siguiente: "Hoy, 25 de Abril del 2013, creo este blog para reunir algunos pensamientos que por lo regular serán cosas que me fascinen, cosas que me causen fascinación en ambos sentidos ya que la fascinación no es solo gozo sino también atormento, al menos ante mi punto de vista." Aquel reglón se debe respetar a manera de mandamiento, pues es en él en que edifiqué esta enorme queja que hago llamar blog. Debo agregar también que pienso que mi escritura desde hace poco ha mejorado ligeramente (no me refiero a mis primeras entradas que están escritas de manera asquerosa y que no transmiten del todo lo que pienso sino a mi escritura en general,ya que no todo lo que escribo está en este blog, aunque igual considero que le falta mucha gracia a mi escritura). 

Al meollo: sufro en el salón de clases, es que realmente me siento atormentado y no encuentro escapatoria, incluso mi mejor amigo parece rebotar en mi contra. Probablemente esta queja no sea algo muy particular sino más bien algo a gran escala, culpa de los medios, la falta de sentimientos, la mecanización, los ideales dedicados a los placeres más comunes, etc. Aunque no me puedo excluir de la gran culpa de todas las culpas, algo muy horrendo pasa con nuestra era de jóvenes, y yo soy parte del problema y no de la solución. He malinterpretado el problema olvidando de paso que todo problema tiene una solución o que al menos puedo calmarlo o  al menos, esta es la alternativa más egoísta aunque más práctica y conveniente, puedo hacer lo posible para que no me afecte a mí y de paso mejorar como persona. Observando y viviendo diferente tipos de comportamientos y hábitos (los míos incluidos) tanto personales como virtuales crece en mí un gran odio que no vacilo en mostrar, incluso he pensado que si no puedo con el enemigo debería unirme a él.  Grave error. No me puedo traicionar para esconder mis miedos. En verdad, no sé que hacer, ni siquiera tengo claro el problema. Por mientras, debo concluir que el problema soy yo inevitablemente. Yo, todo un sucio, maltrato a la gente tanto conscientemente como inconscientemente, aún no puedo dejar este hábito tan terrible que me ha perseguido desde niño y al reflexionar sobre él me hace sentir como el malo de la película . ¿Qué estoy esperando exactamente? Desde ahora, me propongo no tratar mal a nadie, no juzgar, no ignorar, ni ser cruelmente sarcástico. El castigo amoroso se prolonga gracias a mi insistencia en ser vil (yo sé a que me refiero) ¿ A quién puedo atraer así? En un ambiente de crueldad debo obedecer a mi consciencia, a mis razones y jamás traicionar mis ideales (aunque estos siempre están cambiando). 

Me siento como el chico de The Catcher in the Rye (lo escribo en su idioma original porque francamente pienso que el español es una lenguaje muy burdo para interpretar a las letras inglesas), recaigo una y otra vez en mi narcisismo cuando en el fondo sé la respuesta a mis problemas, solo que me falta valentía para aceptar y asumir el peso de mis tormentos. El problema soy yo, y atacarme a mí mismo es absurdo, por tanto no debo atacar ni desquitarme con los demás. La solución no debe darse en son de bondad sino en son de naturaleza, humildad y renovación.  

Esta mata de carne y pompa es Oscar Wilde ¿pueden creerlo?

Entrada #10

Sobre la soberbia:

Sí, soy soberbio, no es novedad. Desde hace mucho que sé que lo soy, pero hoy este anti-valor se ha recalcado más que nunca en mi silueta moral gracias a un profesor cuyo nombre no revelaré (mi blog es un blogcito de tantos, no una lista negra).

He aprendido, mejor dicho he re-descubierto, que el acto de soberbia no solo consiste en jactarse, en envidiar o en comportarse de forma descortés, sino también que se cola en toda experiencia vivida. Por ejemplo, al engañarme a mí mismo, al pretender, al apreciar, al escribir, al pensar, al tratar, al razonar, al esperar, soy inevitablemente soberbio. Me he dado cuenta que no pienso "voy a escribir porque me agrada" sino "este escrito lo escribiré yo", "voy a apreciar este filme" sino "este filme lo apreciaré yo". No soy el centro de nada. Por tanto, estos pensamientos resultan absurdos, ridículos, contradictorios. Es aplicable: "No importa que se dice/hace/cualquier verbo, lo que importa es el porqué". Esta frase es aplicable a todo y es también el líder de todo, la razón y todas sus posibles aplicaciones. Si digo tal, pues ya, doy una imagen de mi persona al decirlo, pero si digo algo que no pienso pues me contradigo gracias a mi soberbia e inevitablemente caigo en la falsedad. Entonces, concluimos que la soberbia es lo peor del mundo, el peor de los anti-valores, pues conlleva a la falsedad, lo no auténtico,lo banal y pasajero. ¿Qué debo hacer? Me siento horrible y muy confundido, no diré más de mis sentimientos porque incluso dudo de ellos.

La respuesta a estas cuestiones está en el otro. Es decir, en la empatía que se compromete a ayudar, tal como dijo ese profesorcito que tanto me desagrada. Pero, ¿necesariamente este es un arquetipo de una sabiduría que se debe seguir? Al parecer no lo es (pero sí lo es pero no pretende serlo, ni debe pretender serlo porque simplemente es por ser un estado por defecto de todo lo bueno, pero a la vez decir que es un camino a seguir es una contradicción enorme, la meta (esta meta tampoco es meta) consiste en lograrlo sin querer lograrlo ni buscar lograrlo, privilegio de pocos y resultado de mucho), pues el sabio no sigue y no pretende buscar la verdad, simplemente es sin saberlo y eso es lo que le hace grandioso: la ignorancia del saber. Blah, blah, blah leeré un poco sobre estos temas en El Banquete de Platón que también me ha dejado el profesor ese. Quizás, a la larga, el profesor es el mejor y yo no. Otro problema: inconscientemente siempre me creo el mejor, así lo digo, como un escupitajo, la verdad. También siento envidia cada vez que alguien logra, y he aprendido a discriminar a los demás en el afán de una falsa superioridad. Debo dejar de pensar de esta manera... Debo muchísimo a aquellas personas que echo de lado (pero de las cuales dependo) como para pensar y comportarme así. Es ridículo, estúpido, contradictorio, inconsecuente (como diría aquel profesor). A pesar que desprecio en cierto grado al profesor ese tan cultito y conservador, sus pensamientos me llevan a reflexionar un poquito. Otra persona que me da que pensar (tanto por ella como por sus pensamientos) es una compañera del salón (no me atrevo a dirigirle la palabra a pesar de que me atrae mucho y es muy inteligente, pero siempre la escucho y siempre tiene algo interesante que decir), ella dice que no debemos seguir a ninguna ideología, probablemente porque una ideología es un compromiso y es limitante, además es más divertido y más sabio (odio esa palabra) enfrentarse con todos los puntos de vista posibles y ser único, yo también he pensado todo eso, pero no lo demuestro con mis actos, la verdad es que en el salón me comporto como un idiota más, soy muy inmaduro, soy cosa muerta. Indudablemente el ser cosa muerta e inmadura es producto de la soberbia, la soberbia es el peor de los males, el más abundante, y el más delgado y difícil de percibir.

Adicional:
Este cuadro es genial, y no se diferencia tanto de la vida newyorquina que yo conocí. La misma desesperación, la misma esperanza, y la misma persecución. Tiene algo de admirable y dudoso.